名曲のベースラインに隠されたテクニックを解説！

公開日：2025.10.27　更新日：2025.10.08バンド楽器上達のコツ音楽のマナビ

ベース上達のコツを名曲から学ぼう

「なぜこの曲はこんなに気持ちいいんだろう？」――その答えの半分くらいは、じつはベースラインにあります。ベースは派手さこそ控えめですが、リズム（時間の流れ）とハーモニー（和音の意味）の両方を同時に支える“二刀流”。名曲と呼ばれる多くの楽曲では、聴き手が無意識に心地よさを覚えるよう、ベースに細やかな仕掛けが潜んでいます。

本記事では、その“仕掛け”を名曲に触れつつ、音楽に詳しくない方にもわかるように解説します。耳のピントを「低音」に合わせて、名曲の裏側をのぞいてみましょう。

1. まずは土台：ベースの基本役割

ベースの役割は大きく二つ。
① ドラムと組んでグルーヴ（ノリ）をつくる。
② コードのルート音を示して、曲の“和音の意味”を聴き手に伝える。

例えば | C | Am | F | G | の進行では、1拍目に C→A→F→G を置くだけで、音楽の床がしっかり張られます。名曲のベースは、この床の上にコードトーン（構成音）、経過音（パッシング）、リズムの工夫を重ね、地味に、しかし決定的に“気持ちよさ”を増やしているのです。

2. コードトーンで動きを生む

名曲の多くは、ルートだけでなく3度・5度（時に7度）を要所で鳴らし、和音の表情をはっきりさせます。たとえばThe Beatles「Something」（1969）のベースは、ルートに3度・5度を滑らかに織り交ぜ、“歌うような対旋律”をつくります。結果、ボーカルのメロディーとベースが絡み合い、和声の立体感が増す――これが「シンプルなのに美しい」正体のひとつです。

3. パッシングノートで「流れ」をつくる

コードトーン同士を半音・全音でつなぐ経過音（パッシング）は、ベースラインを“点”から“線”へ変えます。直線道路にゆるいカーブを加えるように、耳あたりが自然になります。

モータウン黄金期のジェイムズ・ジェマーソン（例：「What’s Going On」）は、コードトーンを柱にしつつ、ところどころに経過音やクロマチック（半音階）を差し込むことで、温かい一体感と前進力を同時に生み出しました。「ずっと聴いていられる低音」は、たいてい“上手に迷子になる”経過音が入っています。

4. 反復と最小限の動きで「中毒性」を生む――Michael Jackson「Billie Jean」

ベースの有名曲と言えば外せない「Billie Jean」（1982）。
ここで強調したいのは、「半音の装飾を連発しているから」ではなく、F#マイナーを土台にした極めて少ない音数の反復と、要所のオクターブ移動がトランス状態の推進力を作っている点です。

演奏はLouis Johnson。場面によりシンセベースとのユニゾン／レイヤーも絡み、低音が“一本の線”のように前へ前へと進んでいきます。

ベースが「弾きすぎない」勇気を持つと、曲そのものが迫力を増す――この曲は、ミニマルと反復の教科書です。

5. シンコペーションで「うねり」を与える――Stevie Wonder ほか

シンコペーション（拍の“裏側”に重心を置く）は、ベースの魔法のスパイス。
Stevie Wonder「I Wish」「Sir Duke」では、ベースが8分裏・16分裏を巧みに踏み、体が勝手に揺れるうねりを生みます。
ポイントは“常に裏に置く”のではなく、表と裏のコントラストで加速感を作ること。

日本のポップスでもこの考え方は有効です。
たとえばOfficial髭男dism「Pretender」は、曲全体がシンコペーション気味の設計。ベースはセクションによって裏を積極的に踏む場面と、あえて表にどっしり残る場面を使い分け、全体のうねりをコントロールします。
「宿命」ではシンセ低音とエレキの住み分け、時に5弦低域の活用がポイント。低音処理とシンコペの配分が、曲の“重量感”を決めます。

6. 「音域」と「オクターブ」で景色を変える――The Beatles「Come Together」

「Come Together」（1969）の有名リフは、音数こそ多くありませんが、オクターブ上下と音域選択で“暗く渋い”景色を作ります。ベースが一瞬だけ低域を離れ、中低域へ顔を出すと、アンサンブルの重心がふっと浮く。戻ると再び地面に着地する――この重心移動が、リフに独特の妖しさを生みます。

実践では「Aメロは低域を固め、サビは一段上のポジションでオクターブを混ぜる」など、セクションごとに音域を設計すると“起伏”が生まれます。